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Alles steht Kopf: Pixars neuster Geniestreich

Bei Kunstwerken, die als für alle Altersklassen geeignet gelten, unterscheide ich meist in zwei Kategorien: Es gibt an Erwachsene gerichtete Werke, die so allgemeingültig erzählt sind, dass sie auch Kinder ansprechen, und Kinderwerke, die so grandios sind, dass sie auch Erwachsenen gefallen. Ersteres sind für mich die hochphilosophischen Romane von Michael Ende, zweiteres die farbenprächtigen Zauberwelten von Astrid Lindgren.
Was Pixars neuestes Werk angeht, so findet sich Alles steht Kopf ganz klar in der zweiten Gruppe wieder. Es ist ein Kinderfilm durch und durch, und dabei ist er so perfekt, dass er ohne Probleme ein universelles Publikum anspricht.

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Asterix im Land der Götter: Rückkehr zu alter Glorie

Dieses Jahr war es wieder so weit; ein neuer Asterix-Film kam in die Kinos, um mit amerikanischen und japanischen Produktionen um die Zuschauerschaft zu streiten. Das Erste, was dabei an der neuen Comicband-Verfilmung auffiel, war, dass es sich um einen Computer-generierten Film handelte – ein Novum bei den Verfilmungen der gallischen Abenteuer. Für mich persönlich war es das erste Anzeichen, den Film mit einer gewissen Menge Misstrauen zu begutachten, denn da der klassische Zeichentrick sich vom Stil her eigentlich sehr viel besser für die Verfilmung eines gezeichneten Comicbands eignet, liegt die Vermutung nahe, dass die Wahl des Mediums in diesem Fall rein Marketing-bedingt getroffen wurde.
17deEin anderes ungünstiges Vorzeichen für den Film bestand darin, dass die gesamte Werbung sich rein an ein sehr kindliches Publikum zu wenden schien, mit Trailern, in denen außer Wildschweinjagden und verhauenen Römern kaum etwas vom Film selbst gezeigt wurde. Diese scheinbare Fokussierung auf die jüngeren Zuschauer mutet um so seltsamer an, als in diesem Film der Band Die Trabantenstadt verfilmt wurde, eines der politischeren und inhaltlich fordernderen Abenteuer der unbesiegbaren Gallier.
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Mary Poppins‘ Dachfirsttanz: Step in Time, You Step in Time!

Ich habe nun schon mehrfach über die Disney’sche Verfilmung von Mary Poppins geschrieben, aber aus irgendeinem Grund komme ich doch immer wieder auf dieses filmische Meisterwerk zurück. Einer der spannenden Punkte des Films liegt für mich darin, wie die charakterlich und stimmungsmäßig so unterschiedlichen Teile des Films sich am Ende zu einem kohärenten und zusammengehörigen Ganzen verbinden. Da gibt es die großen Showstopper, „Ein Löffelchen voll Zucker“ und „Supercalifragilisticexpialigetisch“, die dem Publikum als bunte, fetzige Tanznummern fest im Gedächtnis bleiben. Für so manchen Gelegenheits-Zuschauer werden sie auch den allgemeinen Charakter des Films definieren – Mary Poppins, das große Disney-Spektakel über die fröhliche Zauber-Nanny.
mary-poppins-disneyscreencaps.com-9852 Aber diese Stilrichtung alleine hätte den Film sicher nicht in die zeitlose Klassiker-Riege gehoben, in der er sich heute befindet. Und auch bei den bekannten, „großen“ Mary-Poppins-Liedern finden sich „Chim Chim Cheree“ und „Füttert die Vögel“, zwei schwermütige, moll-lastige Melodien, die als Liedfetzen beziehungsweise als Hintergrundmusik den gesamten Film durchziehen. Gerade diese schweren, durchaus melancholischen Teile des Films sind es, die den fröhlichen Tanznummern erst Inhalt und Rückgrat verleihen, und die dem Zuschauer das Gefühl geben, nicht nur ein reines „lustiges Disney-Musical“ vor sich zu haben, sondern einen vollwertiges, ernstzunehmendes Stück Filmkunst.
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Moulin Rouge und Mamma Mia – zwei Arten des Jukebox-Musicals

Seit einigen Jahren schon hat sich in der internationalen Musical-Szene ein neuer Trend breitgemacht: das Erfolgskonzept der aus bekannten Hit-Songs zusammengesetzten Jukebox-Musicals. Es ist ein Konzept, das gleichermaßen intuitiv wie ermüdend erscheint. Natürlich werden die Zusammenschnitte der großen Klassiker einer Band immer ein gewisses Publikum finden; diese zu 80% auf reiner Nostalgie aufgebaute Idee scheint ganz klar ein sicherer Geldmacher zu sein. Aber während gegen ein entsprechendes Best-Of-Konzert sicher nichts zu sagen wäre, ist das Ergebnis der entsprechenden Best-Of-Musicals im besten Fall bemüht.
vlcsnap-2015-08-06-08h14m12s0 Realistisch gesehen ist es nun einmal kaum möglich, aus ein paar beliebigen, willkürlich vordefinierten Band-Hits ein kohärentes, storytechnisch qualitatives Musical zusammenzuschustern. Per Definition haben die Texte der Lieder selten irgendetwas miteinander zu tun und stellen ausschließlich einzelne Solo-Nummern dar, so dass damit in einem größeren Werk sowieso nur die Arien abgedeckt werden können – für Rezitative ist schlicht kein Material vorhanden. Und da diese einzelnen Arien auf irgendeine Weise aufeinander abgestimmt werden müssen, bleiben meist auch alle Lieder auf der Strecke, die irgendeine Art von spezifischerem Inhalt haben. So bleibt gerade für die besten und beliebtesten Songs vieler Bands nur ein Platz als Zugabe übrig – an storytragender Stelle lassen sich Lieder wie „Bohemian Rhapsody“ oder „Fernando“ eben nicht ohne weiteres hineinquetschen. Es ist eine simple Rechnung: Je einfacher und nichtssagender der Inhalt eines Klassikers, desto einfacher lässt sich ein Platz im neuen Handlungsverlauf des Jukebox-Musicals finden.
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Alles steht Kopf: Ist Ekel Tinker Bells neue Pixar-Schwester?

Die bisherige Geschichte zwischen Pixar und Disney ist geprägt durch eine einzigartige Mischung von Zusammenarbeit, gegenseitiger Unterstützung und geschwisterlichem Konkurrenzdenken. Auch wenn die beiden Studios seit Pixars Entstehen eng miteinander verwachsen waren und seit einigen Jahren nun ganz offiziell dem gleichen Haus angehören, so hat das die einzelnen Animateure und Mitarbeiter doch nie daran gehindert, sich gegenseitig kritisch zu beäugen und auf den Prüfstand zu setzen. Gar mancher Pixar-Vertreter sieht das jüngere Studio gar als den wahren Weiterträger von Walt Disneys hehrem Erbe, dass sie gegen das bräsig gewordene Mutterstudio mit Händen und Füßen verteidigen müssen – eine Sicht, die auf Disney-Seite ganz und gar nicht geschätzt wird.
Diese (meist wohlwollenden) Zänkereien haben ihren Weg schon mehr als einmal in Pixars Filme selbst geschafft. In Die Unglaublichen gibt es gegen Ende eine Szene, in der Disney-Urgesteine Frank Thomas und Ollie Johnston in einem Cameo bezüglich der Incredibles bemerken: „So muss das gemacht werden. Das ist die alte Schule.“ Und im Filmplot von Ratatouille will sogar mancher eine Allegorie auf Walt Disney, den Niedergang seines Studios und Pixars mühsame Weiterführung seines Erbes sehen.

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Die Eiskönigin und Elisabeth – zwischen Loslassen und Aufgeben

Es sind nun anderthalb Jahre vergangen, seit Die Eiskönigin für einen Überraschungserfolg in den Kinosälen sorgte, und bislang ist kein Nachlassen in der Beliebtheit des Films zu spüren. Im Gegenteil: Diese Woche erst hat in Disneyland Paris die Bühnenshow zum Film gestartet, und ein offizielles Musical und eine Fortsetzung des Filmes sind gerade erst in Planung.
Dabei ist denke ich nach wie vor klar, der riesige, unerwartete Erfolg des Films hängt alleine an einer Szene: Lass jetzt los, das ursprünglich als starker Bösewicht-Moment geplante Lied, das zu einer noch viel stärkerer Freiheits-Ballade umgedeutet wurde.

So großartig Elsas große Nummer mit Sicherheit ist, so kann ich das Lied doch nicht hören, ohne daran zu denken, wie gerne der Text im allgemeinen Bewusstsein uminterpretiert wird. In einem anderen Artikel habe ich mich bereits darüber ausgelassen, dass Lass jetzt los bei genauerer Betrachtung immer noch ein klassisches Bösewicht-Lied darstellt. Aber auch wenn man die Szene im bestmöglichen Sinne liest, als Moment der lange ersehnten Befreiung, so zeigen sich Inhalt und Aussage des Liedes gerade im Zusammenhang des Films doch mehr als fragwürdig. Insbesondere, wenn man anfängt, Elsa mit einer anderen starken, freiheitssuchenden Eisprinzessin zu vergleichen: Elisabeth.
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Black Widow, die Froschprinzessin und das Problem der Rollenbilder

Um all den Kritiken, die im Internet herumschwirren, noch mein eigenes Statement hinzuzufügen: Ich finde das Konzept der Marvel-Filmreihe ein mutiges Unterfangen, das die Zuschauer erstaunlich ernst nimmt und alleine dafür seinen Erfolg verdient hat. Für mich ist Avengers: Age of Ultron genau, was er sein sollte, ein kurzweiliger, rasanter Popcorn-Streifen. Und speziell Black Widow halte ich für eine ausgereifte, vielschichtige Action-Heldin, bei der ich mich über jeden zusätzlichen Auftritt freue.
Und dennoch habe ich momentan gewaltige Angst vor der Möglichkeit eines eigenen Black-Widow-Films.

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Um mich deutlicher auszudrücken: Ein gut gemachter Film um Natasha Romanova, der seine Hauptfigur ernst nimmt und sich qualitativ an die anderen Marvel-Filme anlehnt, wäre ein absoluter Traum. Black Widow liefert definitiv genug Material für ihre eigene Geschichte und genügend Ausstrahlung, einen eigenen Film zu tragen – immerhin ist sie das einzige Avengers-Mitglied, das nun bereits in zwei der Filme ihrer Kollegen als wichtige Nebenfigur (oder gar weibliche Hauptfigur) brillierte. Hätte Black Widow vor dem Kinostart von Avengers bereits ihren eigenen Film bekommen, so bin ich zuversichtlich, dass es mein persönlicher Favorit der Serie geworden wäre. Aber mittlerweile sieht die Lage etwas anders aus.
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Ultron, Pinocchio und die Künstliche Intelligenz

Künstliche Intelligenz oder KI ist praktisch seit jeher ein wichtiges Thema im Bereich Science-Fiction. Ganz gleich ob es sich nun um ein alternatives Universum handelt wie in Star Wars, um eine betont realistisch gehaltene Zukunftsvision wie Interstellar oder um ein reines Comedy-Werk wie Per Anhalter durch die Galaxis: Kaum eine klassische Science-Fiction-Welt kommt ohne die Hilfe freundlich gestimmter, menschenähnlicher Roboter aus.
R2D2-C3PO_EP4-KEY-63_R_8x10 Bemerkenswert dabei ist, dass eine starke KI von den „großen“ Science-Fiction-Tropes wohl die realistischste und naheliegendste Vorstellung ist – und gleichzeitig wäre eine KI, wie sie in den meisten Werken dargestellt wird, aller Voraussicht nach ein äußerst unwahrscheinlicher Dauerzustand. Wenn es einmal eine „richtige“ KI gäbe, so ist es wahrscheinlich, dass sie die Rolle des freundlichen, menschenähnlichen Begleiters im Nu hinter sich lassen würde. Ob nun gutartig gestimmt oder nicht, eine hochentwickelte KI würde sich wohl in kürzester Zeit über den Stand des Menschen hinwegentwickeln und damit quasi auf eine höhere, uns weit überlegene Stufe aufsteigen.
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Big Eyes: Tim Burton auf Abwegen

Die Filme von Tim Burton tragen im Allgemeinen eine höchst eigene, eindeutige Handschrift, mit einem extrem hohen Wiedererkennungswert. Wem der morbide Stil, die düsteren Bilder und die allgegenwärtigen Streifenmuster nicht genügen, die Arbeit des Regisseurs zu erkennen, der mag nach ganz speziellen Rahmenbedingungen Ausschau halten, wie den ätherischen Klängen Danny Elfmans oder der Zusammenarbeit von Johnny Depp und Helena Bonham Carter. Es gibt nur wenige Burton-Streifen, die diese Gesetzmäßigkeiten durchbrechen; ob nun das Superhelden-Franchise Batman oder der Kinderbuchklassiker Charlie und die Schokoladenfabrik, Burton hat es geschafft, den verschiedensten Ausgangswerken seinen höchsteigenen Stempel aufzudrücken.

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Burtons neuester Wurf Big Eyes dagegen ist nun – anders. Es handelt sich um ein traditionelles Biopic, das Schicksal der jahrelang von ihrem Mann unterjochten Malerin und Zeichnerin Margaret Keane. Und anders als Ed Wood, Burtons früheres Werk, das ebenfalls die reale Lebensgeschichte eines von ihm verehrten Künstlers erzählt, fühlt sich Big Eyes erstaunlich normal an. Es ist eine ernsthafte Schicksalsbeschreibung, mit einem Hang zum Tragikomischen, die doch weder an Burtons sonstige morbide Note heranreicht, noch seinem Hang zum Grotesken Rechnung zu tragen scheint. Am ehesten ließe sich Big Eyes vielleicht mit Big Fish vergleichen, wobei jener Film doch zumindest auf verschmitzt-wunderlicher Ebene ganz im Geist seines Schöpfers verankert schien.
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Mary Poppins – Buch, Film und Musical

Es war eigentlich nur eine Frage der Zeit, dass auch der Disney-Klassiker Mary Poppins seinen Weg auf die Musical-Bühne finden würde. Seit Der König der Löwen 1997 als Bühnenshow unerwartete Erfolge zeichnete sind die Musical-Adaptionen der großen Disneyfilme zu einem nicht unerheblichen Standbein der Studios geworden – auch wenn seither keine Produktion an die Kreativität und die künstlerischen Ambitionen der aufwendig konstruierten Löwen-Puppen heranreichen konnte.
Gerade im Vergleich zu Zauberei- und Effekt-lastigen Filmen wie Die Schöne und das Biest oder Arielle, die Meerjungfrau muss Mary Poppins als ideale Vorlage für eine Bühnen-Adaption erscheinen. Seit nunmehr fünfzig Jahren einer der ganz großen Disney-Klassiker gilt der Film nicht nur als musikalischer Geniestreich, es handelt sich auch um einen Spielfilm, der in seiner bunten, aufwändigen Darbietung geradezu danach verlangt, für eine Live-Performance umgewandelt zu werden. Es wäre wirklich ein Leichtes gewesen, den Film so wie er ist zu nehmen, und in Stil und Handlung eins zu eins für die Bühne zu adaptieren – doch so einfach haben die Disney-Studios es sich nicht gemacht.

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